Первый в мире полет вокруг Земли не только вписал имя советского космонавта Юрия Гагарина в историю, но и дал целому поколению новую мечту, сделав космос главной одержимостью 1960-х. Мир, который находился в тисках холодной войны, отчаянно нуждался в сказке, и эту сказку ему подарили фантазии о других планетах. Это сопровождалось послевоенным экономическим бумом, благодаря которому в распоряжении дизайнеров оказались материалы, о которых раньше можно было только мечтать — стекловолокно, пластик и эластичные ткани. Воплощенные в них небывалые формы и яркие цвета оказались лучшим способом хотя бы ненадолго сбежать от тревог реального мира. По случаю 65-ой годовщины первого полета человека в космос вспоминаем 10 культовых объектов дизайна, в которых воплотился дух одного из самых оптимистичных десятилетий XX века.
Разноцветная утопия: 10 шедевров дизайна, определивших образ «космической эры» 1960-х
1. Кресло «Panton» («S»-стул), 1967 год. Автор — Вернер Пантон
«Panton» считается одним из самых узнаваемых стульев в истории — это первый предмет мебели, целиком отлитый из пластика без единого шва и дополнительных креплений. Лишенный привычных ножек, он словно парит над полом, визуализируя идею космической невесомости. Это творение воплотило совершенно новое отношение к материалу, когда пластик перестал быть дешевым заменителем дерева и превратился в носитель эстетики будущего.
Хотя некоторые ставят под сомнение оригинальность внешнего вида модели, указывая на визуальные параллели со стулом «Zig Zag» Геррита Ритвельда 1934 года, это не умаляет ее исторического масштаба, которая стала настоящим поп-культурным феноменом. «Panton» успел получить статус «самого сексуального стула за всю историю» — из-за участия в провокационной съемке 1970 года для журнала Nova с Амандой Лир, а также обложки британского Vogue 1995 года с Кейт Мосс.
2. Терминал TWA в аэропорту Джона Кеннеди, 1962 год. Автор — Ээро Сааринен
Открытый в 1962 году в Нью-Йорке терминал TWA Flight Centre изменил привычный на тот момент визуальный облик аэропорта: архитектура аэровокзалов прежде не могла похвастаться такими футуристическими, экспериментальными формами. В этом проекте финско-американский архитектор Ээро Сааринен соединил архитектурный экспрессионизм с эстетикой Гуги (Googie) — популярной в американской провинции жизнерадостной версией футуризма середины XX века, типичного для придорожных кафе и вывесок отелей.
Если классический европейский модернизм был более «чистым», строгим и элитарным, то этот подход, напротив, черпал энергию из коммерции и рекламы. Он отражается в «парящих» деталях крыш, напоминающих птичьи крылья, «космических» трубчатых коридорах для пассажиров и смелых ярко-красных ковровых покрытиях. В 2019 году терминал превратили в гостиницу TWA Hotel, а в 2020 году здесь даже прошел показ круизной коллекции Louis Vuitton.
3. Образ «Лунной девушки», 1964 год. Автор — Андре Курреж
Среди модельеров-футуристов именно Андре Куррежа можно назвать главным первопроходцем, который не просто экспериментировал с новыми материалами, но создал цельный типаж «лунной девушки», ставшей главным визуальным маркером космической эпохи — худощавой, носящей шлемоподобные головные уборы, платья-трапеции и белые сапоги. Он совершил настоящую революцию, сделав ставку на зрелищность и заменив качественные ткани на пластик и металлизированную синтетику. При этом его «лунная девушка» была не столько продуктом молодежной культуры, сколько воплощением французской высокой моды в ее новом, космическом звучании.
4. Настольная лампа «Eclisse», 1965 год. Автор — Вико Маджистретти
В 1960-х космическая тема захватывала не только подиумы и аэропорты, но и сферу домашнего уюта, превращая астрономические явления в небольшие функциональные аксессуары. Знаковым воплощением этой темы в световом дизайне стала настольная лампа Eclisse (1965), созданная итальянским дизайнером Вико Маджистретти.
Суть ее работы заключается в имитации затмения: внутри круглого корпуса находится подвижная полусфера — поворачивая ее, можно плавно менять уровень освещения от яркого свечения до мягкого полумрака. Это устройство принесло Маджистретти престижную премию в области промышленного дизайна «Золотой циркуль» и находится в коллекцию нью-йоркского музея MoMA.
5. Дом «Futuro», 1968 год. Автор — Матти Сууронен
Дом в форме «летающей тарелки», спроектированный финским архитектором Матти Сууроненом, — одно из самых ярких воплощений космического оптимизма 1960-х, когда казалось, что совсем скоро человечество сможет переносить свои дома на другие планеты. История проекта началась в 1965 году, когда Сууронен получил заказ на создание мобильной отапливаемой горнолыжной хижины. Внутри спроектированного им 25-метрового пространства вокруг центрального камина могли с комфортом разместиться восемь человек, а температура от минус 20 до плюс 20 градусов поднималась всего за полчаса. Первоначально такие модули пользовались большой популярностью у заказчиков и должны были стать отелями и кафе в различных городах по всему миру, но этим планам помешал нефтяной кризис 1973 года, сделавший производство полимеров немыслимо дорогим. Сегодня в мире сохранилось около 65 домов «Futuro», находящихся среди прочего в США, Австралии и странах Европы. На территории бывшего СССР их три: гостиница в Домбае, кафе в Краснодаре и бар в Гурзуфе.
6. Кресло «Djinn», 1965 год. Автор — Оливье Мург
Кресло «Djinn», созданное Оливье Мургом в 1963 году, стало иконой футуристического дизайна во многом благодаря своему появлению в культовом научно-фантастическом фильме Стэнли Кубрика «Космическая одиссея 2001 года», вышедшего на экраны в 1968 году.
Органическая форма кресла роднит его со многими другими образцами мебели этого десятилетия, однако новаторство Мурга заключалось в решении полностью обить предмет мягкой тканью. Серия Djinn включала не только одно- и двухместные версии, но также пуф, шезлонг и кушетку, сконструированные по схожему принципу: каркас из гнутой стальной трубы покрыт слоем поролона и обит эластичным джерси.
7. Пылесос «Сатурн», 1967 год. Вильнюсский завод электросварочного оборудования
Поскольку бум эстетики space age был вызван космической гонкой в рамках холодной войны, советский быт также испытал влияние экспериментальных форм дизайна. Пылесос «Сатурн» (1967), созданный на Вильнюсском заводе электросварочного оборудования, превратил рутинную уборку в символический контакт с внеземной цивилизацией. Он состоял из двух металлических полусфер, которые соединялись с помощью резинового элемента, образуя точный силуэт планеты с кольцами. И хотя «Сатурн» не умел «парить» над полом, как его американский конкурент Hoover, он был более многофункциональным: с помощью определенных манипуляций его превращали в пульверизатор для краски или даже фен для волос.
8. Кресло «Ball», 1963 год. Автор — Ээро Аарнио
Хотя это кресло — один из самых известных символов космической эстетики 1960-х, сам Аарнио, согласно одной из версий, не закладывал в свою работу никаких футуристических смыслов. Он хотел поэкспериментировать со стекловолокном и создать необычное кресло, в котором могли бы устроиться одновременно он, его жена и сын. Эта модель долго не вызывала интереса, но прорыв случился в 1965 году, когда дизайнер предложил проект крупной скандинавской фабрике Asko, искавшей смелые идеи. Компания выпустила шесть экземпляров в ярких цветах для Кельнской мебельной ярмарки 1966 года и в первую неделю получила заказы из 30 стран мира.
9. Сумка «Le 1969», 1969 год. Автор — Пако Рабан
Как и платья-кольчуги, сумка «Le 1969» была создана в период, когда Пако Рабан начал активно использовать пластик и металл. Эту модель он собрал из стальных пластин, визуально отсылающих к его знаменитым космическим нарядам для фильма «Барбарелла» (1968). При этом футуристический эффект был достигнут за счет ироничного обращения к суровой повседневности — в духе «реди-мейдов» Марселя Дюшана дизайнер переосмыслил стальные фартуки французских мясников. Тяжелое звенящее изделие балансирует на грани между модным аксессуаром и самопародией, отменяя многовековую монополию традиционных материалов, вроде кожи и текстиля. В 2019 году бренд успешно перезапустил эту модель, доказав, что футуристический дизайн Рабана не утратил своей силы.
10. Интерьер «Visiona 2» (Вернер Пантон, 1970)
Космический стиль 1960-х достиг апогея в проектах тотального дизайна, одним из самых известных примеров которого стала созданная Вернером Пантоном по заказу фармацевтического концерна Bayer средовая инсталляция «Visiona 2» . Он превратил прогулочное судно в Кельне в выставку «жизни будущего», в рамках которой смог полностью разрушить привычное понимание пространства. Интерьер представлял собой психоделическую «жилую пещеру» без окон, где пол, мягкие стены, потолок и мебель казались отлитыми из единой органической субстанции. Эффект погружения усиливался за счет специального освещения и звукового сопровождения — Пантон хотел реализовать идею прямого воздействия на подсознание человека, утверждая, что интерьер должен опираться на биологическое чувство комфорта и безопасности. «Visiona 2» буквально стала манифестом этой идеи и финальным аккордом виузальных экспериментов, мечтавших превратить весь мир в большую и уютную футуристическую капсулу.
Тем не менее уже в середине 1970-х эта яркая глянцевая иллюзия стала рассыпаться: лунная программа была приостановлена, а мир накрыл тяжелый нефтяной кризис, переключающий внимание общества на более насущные земные проблемы. Сегодня эти предметы перешли в ранг классики, а космическая тема стала идеальной формой эскапизма и ностальгией по времени, когда будущее казалось исключительно ярким и проектируемым.